О художнике

Лола начала рисовать в раннем детстве. Она много читала, слушала музыку и наблюдала за природой. В сознании возникали различные образы, которые она стремилась выразить на бумаге, но получалось непохоже. Образы были сложными, там были люди, животные, сказочные создания, там были всепроникающая энергия и всеобъемлющий космос. Но на уроках рисования этому не учили. И Лола самостоятельно изучала рисунок, композицию, техники рисования тушью и маслом. А еще для того, чтобы правильно нарисовать людей разных народов, — антропологию, их жилье и одежду — этнографию, узоры — символизм. Первым всеобъемлющим увлечением стала Африка. Сказки, легенды, книги и рассказы путешественников, знакомство со студентами РУДН и сотрудниками Института Африки дали богатейший материал для графики и живописи. Уже в 15 лет Лола впервые участвует в выставках с группой «Союз африканских деятелей». В дальнейшем, погружаясь в культуру самых разных народов: древних славян, коренных народов Америки, Индии, Китая, Алтая, Тибета, Древнего Египта, — она замечала все больше явных или на первый взгляд незаметных связей между ними. Постепенно от ощущения она пришла к четкому осознанию того, что все люди вышли из общих корней, из одного начала и что все живое на планете Земля находится в постоянной неразрывной связи с космическими энергиями и процессами. С тех пор через все творчество Лолы Лонли красной нитью проходит визуализация этой общности народов и миров. Темы произведений варьируются — мифологические сюжеты, иллюстрации к космическим легендам, портреты музыкантов, балерин, музыкальных произведений и деревьев. Их объединяет изображение энергий. Лола никогда не создает фотографию реальности, это всегда сочетание материального, видимого мира и энергетического, невидимого, но ощущаемого. И обязательно символизм — цвета, знаков, узоров. В своем творчестве Лола Лонли всегда шла по собственному пути реализации задуманного. То, что она видит в мире и воображении, очень трудно отобразить в статической и плоской картине. Вступив в 1996 году в секцию графики Творческого союза художников России, она уже тогда создавала собственную технику рисования темперой с эфирными маслами. Но ей хочется еще более явно проиллюстрировать сосуществование материального и энергетического пространства, и она добавляет в темперу флуоресцентные пигменты, благодаря чему картины полностью меняют вид в ультрафиолетовом освещении. Совсем недавно Лоле удалось осуществить давнюю мечту — путешествие по заповедным долинам Гималаев. Вдохновленная их потрясающей атмосферой и энергетикой, она соз- дала серию работ в совершенно новой, вновь самостоятельно разработанной технике, сочетающей темперную живопись с графикой акрилом с добавлением минералов. Картины получаются объемными, сверкающими, меняющими цвет при разном угле зрения и освещении. Это позволяет насколько возможно передать свои впечатления от постоянно меняющейся, сияющей и чистой природы тех мест и образы, которые являются в облаках и скалах. Накопив огромный опыт самообразования, уже почти 20 лет Лола Лонли передает его другим, обучая живописи по собственной методике на мастер-классах и в студии. В первую очередь методика направлена на развитие творческого потенциала и уникальности каждого ученика. Ведь копирование, пусть даже шедевров, не имеет ничего общего с творчеством. На занятиях студии Лола каждый раз проходит с учениками часть своего пути развития: увлечение культурой народа — создание своего образа — обучение приемам его реализации. Имея в своем портфолио более чем 100 выставок по всему миру, из них более 50 персональных, а также дипломы и медали международных конкурсов, Лола Лонли не останавливается на достигнутом и продолжает как изучение культур народов мира, так и работу над новыми художественными техниками. Несомненно, еще не раз она порадует нас новым стилем, новой техникой, новыми сюжетами. В своих картинах мне всегда было интересно находить новые пути выражения идей, поэтому несколько раз в течение своей жизни я открывала для себя новые техники создания произведений. Начав еще в детстве с графики тушью и перьями и живописи акварелью, постепенно самостоятельно освоила масляную живопись. В 1991 году, когда я работала в Покровском соборе, филиале Исторического музея, вплотную познакомилась с темперной фресковой и иконописной живописью и на ее основе разработала новую технику с добавлением эфирных масел, служащих катализаторами цвета и закрепителями. Темпера радовала меня яркостью красок, многообразием цветов и возможностью послойной живописи со множеством лессировок, без утяжеления холста. Но мне всегда хотелось добавить в картины еще больше объема, жизни, игры света, чтобы работы меняли цвет при разном освещении и разных углах зрения. Постепенно мне стало интересно добавлять к обычным пигментам флуоресцентные и таким образом увеличить возможности донесения идеи до зрителя, изображая разные варианты просмотра картины с ультрафиолетовой подсветкой или натуральным солнечным светом. При посещении Музея Винсента Ван Гога я обратила внимание, что его картины меняются по цвету, если смотришь на них во время движения. Это связано с его авторской техникой трехгранного мазка, когда на кисть берется краска трех оттенков одновременно, без смешивания. Тогда я стала размышлять над возможностью нанесения более объемных фактур. Так как я очень люблю графику, то решила последние слои живописи, необходимые для завершения детализации картины, заменить графикой. В своих живописных работах я всегда создавала узорчатый слой поверх живописи, но раньше прорисовывала его при помощи тонкой колонковой кисти № 0 или 00. Это был очень трудоемкий процесс, особенно в крупных работах, но главное — линии оставались плоскими, а мне хотелось объемных. Добиться желаемого объема в узорчатых слоях мне позволило использование акриловых контуров. Еще с 2008 года я начала добавлять в последний живописный слой золотую и серебряную акварельную краску, смешивая ее с яичной эмульсией и эфирными маслами. Однако порой хотелось более плотного золота в верхнем слое, и я экспериментировала с поталью и золотистыми блестками для ногтевого дизайна. Однажды во время очередного поиска «чего-нибудь золотого» в Интернете я случайно наткнулась на акриловые контуры фирмы «Таир», которые в последнее время получают все большее распространение в декоративно- прикладном искусстве. Их широко применяют для декупажа, точечной росписи, имитации витражей, филиграни, батика, создания контура рисунка. После ряда проб и экспериментов я стала их применять для нанесения объемного графического рисунка на живописную темперную подложку, так и появилась эта техника, которую я называю «объемная графика». Начинаем работу с выбора сюжета для картины, основой могут послужить фотография или личные идеи. Для серии картин «Там, где небо идет по Земле», во время создания которой я и придумала эту технику, я использовала свои фото, сделанные во время путешествий по Гималаям, а также собственные сюжетные композиции на основе мифологических и религиозных представлений разных народов. В качестве примера используем мое фото с видом на Гималайский хребет от перевала Кунзум и поэтапно создаем фантазийную композицию. Глядя на это фото и вспоминая характер движения облаков в этом месте, у меня возникло ощущение, что облака — это небесные танцовщицы, танцующие в круге. Эту идею я и решила использовать для композиции. Фигуры и их движения в моем случае просто возникают в голове, но можно также использовать образы с различных фото, объединяя их в одной композиции. Также хотелось показать то, что вообще не видно на фото, — блеск росы, влажность на камнях и бледное сияние ранних звезд, которые видны на высоте, как только солнце скроется за горами. В зависимости от планируемой сложности композиции выбираем размер и качество холста. К примеру, для работ размером больше, чем 50×70, я предпочитаю лен со средним или крупным плетением на подрамнике, для работ небольшого размера и работ с более детальной проработкой я рекомендую мелкое плетение льна или хлопок на подрамнике или картоне, как больше нравится автору. Для работ с большим количеством тяжелых элементов аквадизайна, например с добавлением натурального горного хрусталя или других минералов, рекомендую холст на картоне, так как такие картины получаются тяжелее по весу и нуждаются в дополнительной жесткости. Для картины «Небесный танец. Вид с перевала Кунзум» я выбрала холст размером 30×40 см, грунтованный эмульсионным грунтом, на картоне. Для рисунка темперой на холсте я не использую карандаш, так как рисунок темперой намного проще исправить, чем убрать последствия использования карандаша. Первый слой, являющийся линейным рисунком, выполняем кистью № 1, колонок. Для этого мастер-класса мы возьмем готовую темперу ПВА «Мастер-класс» производства «Невской палитры», смешивая ее с Watercolors фирмы Pentel, темперой производства Тайваня, которая отличается яркими, не темнеющими пигментами с высокой покрывной способностью. Смешиваем краски с водой, добиваясь нужного цвета и консистенции. Используем белила титановые, кадмий синий и кадмий бирюзовый. Продолжая смешивать темперу с небольшим количеством воды, прорабатываем первый живописный слой, или подложку. Кисти я люблю использовать колонковые и некоторые виды синтетики, основные критерии подбора кистей — высокая упругость и тонкий кончик. Для усиления скульптурного эффекта и для большего разнообразия полутонов я часто использую подложку противоположного по спектру цвета или того же цвета, но оттенком слегка теплее либо холоднее ожидаемого конечного результата. Выполняя подложку, не нужно стремиться к гладкости и аккуратности, небольшая неровность прокраски, пятнышки и подтеки способствуют созданию фактуры и глубины и делают картину более живой. Однако очень важно не оставлять пятнышек непрокрашенного холста, важно, чтобы краска полностью зрачные чешуйки слюды будут отсвечивать при попадании света разными оттенками. Для начала покрываем подсохшую картину несколько разбавленным гелем, подобно тому как покрывают картину лаком в масляной живописи. Можно покрыть всю картину, тогда гель будет работать и как качественный, не желтеющий закрепитель. А можно покрыть только те участки, на которых вы желаете видеть блеск, оставив остальные участки матовыми. Аккуратно укладываем слюду на картину, можно использовать любую палочку, например зубочистку, когда гель со слюдой подсохнет, покрываем сверху еще одним слоем геля. В результате мы получаем достаточно фактурную, всю переливающуюся разными оттенками блеска живую картину. Материалы, которые потребуются для создания картины: • холст, грунтованный эмульсионным грунтом, на картоне или на подрамнике; • темпера ПВА «Мастер-класс» производства «Невской палитры», Санкт-Петербург; • Watercolors, Pentel, темпера производство Тайваня — очень яркие пигменты, высокая покрывная способность; • контуры «Таир» по стеклу и по ткани; • моделирующий прозрачный гель «Таир»; • слюда (окрашенный вермикулит) для ногтевого сервиса; • контуры «Таир» с глиттером (блестками).