О художнике

Маргарита Сюрина

Маргарита Сюрина родилась в 1969 году в городе Бангкок (Таиланд). В 1987 году окончила МСХШ им. В.И. Томского. В 1994 году окончила МГАХИ им. В.И. Сурикова (мастерская Т. Салахова). С 1999 года — член ТСХР. С 2001 года — член МХФ (IFA). Участница московских и международных выставок с 1988 года. Произведения автора находятся в галереях, муниципальных и частных коллекциях Франции, в галереях и частных собраниях России, США, Швейцарии и Швеции. — Маргарита, когда Вы начали рисовать и чем является для Вас художественное творчество ? — Рисовала я всегда, сколько себя помню, а помню я себя с четырех лет. Рисовала цветными карандашами, фломастерами и акварелью — всегда цветом, причем стремилась заполнить все пространство листа... А с пяти-шести лет я ввела в наш домашний обиход следующий тест: каждому новому для меня человеку я при первом удобном случае вручала лист бумаги и фломастеры со словами: «Нарисуй мне что-нибудь...». Если человек брал в руку карандаш и рисовал, то он становился моим другом моментально, особенно когда делал это ловко и талантливо; а вот к тем, кто отказывался, мотивируя неумением и все такое прочее, я раз и навсегда теряла интерес. Гораздо позже, перечитывая в который раз «Маленького принца» Экзюпери, я вдруг поняла, что уже в пять лет художественное творчество было для меня не только средством самовыражения, но универсальным языком общения между людьми... Так думаю я и сейчас. — Кто был Вашим первым учителем и как это повлияло на Вашу дальнейшую творческую судьбу? — Мне повезло — я начала учиться живописи не в группах и студиях, а в творческой мастерской замечательного человека и художника Валентины Петровны Цветковой — заслуженного художника СССР и народного художника Украины и Крыма. Мы познакомились с ней в Ялте в 1981году, когда приехали на летние каникулы ( у меня мама — крымчанка ) отдыхать. Мне было одиннадцать лет и я уже писала акварелью с натуры сама, без всяких руководств. Когда мы впервые поехали с Валентиной Петровной на этюды, она взяла большой холст — писала широко, размашисто, «а-ля-примно», а я написала маленькую акварель... Цветкова посмотрела на мой этюд, потом на меня, потом на моих родителей и уверенно заявила им: «Вашей дочери нужно серьезно заниматься живописью». Вот так это все и началось, все лето я провела в мастерской Валентины Петровны, привезла в Москву охапку работ и стала готовиться к поступлению в Московскую среднюю художественную школу при институте им. В.И. Сурикова — тогда это было лучшая художественная школа страны. Потом был Суриковский институт, факультет живописи, замечательные преподаватели: Н.П. Христолюбов, Е.Н. Трошев, Т.Т. Салахов, Л.В. Шепелев... — Художники-учителя Суриковского повлияли на развитие Вашего художественного видения и как именно? — Ну, конечно же, и повлияли, и сформировали! Академический художественный институт им. В.И. Сурикова — это мощная и надежная школа мастерства, где работают и учатся лучшие профессиональные художники России, тому свидетельство — вся история отечественного изобразительного искусства... И мне посчастливилось учиться у сильнейших профессионалов-художников, но первый учитель — это, знаете, как первая любовь... Я думаю что встреча с В.П. Цветковой стала для меня и судьбоносной, и самой яркой, «светоносной». Это она привила мне любовь к «а ля прима», она научила главным ценностям в искусстве... — Для Вас характерны два направления в технике живописи — это «а ля прима» и сложные многослойные, многофактурные технические приемы. Расскажите об этом подробнее. — В многослойной живописи методов много, я использую и тонирование, и набрызг и разливание краски по холсту, и акриловые подкладки — метод всегда зависит от объекта изображения. А вот с термином «A LA PRIMA» в нашем с вами арт-пространстве сплошная путаница — кто только и как только не трактует его! Многие путают с пленэром, считают синонимом этюда или импрессионизма или вообще не воспринимают. А ведь существуют словари, в том числе и художественные, в которые иногда стоит заглядывать. «A LA PRIMA» — значит, дословно, от первого касания кисти работа выполняется в один сеанс, быстро, экспромтно, искрометно и ГЛАВНОЕ — без дальнейших прописей и исправлений. Когда все на своих местах. Но это так редко удается! Метод труден, потому что не терпит фальши. Сейчас я много пишу в «а ля прима», наверное, это соответствует моему внутреннему состоянию... — Над чем Вы сейчас работаете и что хотите представить зрителю в ближайшее время? — Сейчас я пишу Крым. Готовлю персональную выставку, посвященную памяти моих учителей, замечательных художников: В.П. Цветковой, А.П. Кибальникова и Е.Н. Таракановой. Выставка будет проходить в галерее «Ардена», в залах Международного фонда славянской письменности и культуры. — Как Вы относитесь к тому, что живопись в последнее время приобретает «прикладной» характер и служит исключительно для украшения интерьера? — Скептически. Живопись ничего такого не приобретает и ничему подобному не служит. Конечно, существует целый пласт «прикладных живописцев», которые сидят в этой «нише» и не- плохо зарабатывают. Но стоит ли об этом говорить. Хуже, когда серьезные, талантливые художники впадают в панику и теряют надежду. Недавно у меня состоялся спор с очень ярким, замечательным живописцем на эту тему. «Ну, все, — сказала художник, — живопись ушла в глубокое подполье интерьера, а на сцене — актуальное искусство торжествует и беснуется!» — А разве не так ? — «Так» только то, что все главные выставочные площади и Москвы и мира активно «пиарят» актуальщиков, но это не имеет никакого отношения к сути вещей. У нас всегда есть выбор: читать нам «желтую прессу» или Пушкина, Ахматову и серьезные культурно-просветительские издания. Живопись же всегда служила и служит сегодня человечеству, это универсальный язык для выражения космических идей. Большинство великих открытий, продвинувших нас вперед, впервые «оцвечивались» именно в живописи. — Как это ? — Ну, вот например, Матисс. Он написал свой «Танец», когда никаких «новейших технологий» не было. Просто написал — красный, зеленый, синий. А сегодня в каждом доме: компьютер, цифровая камера и так далее, и едва ли не каждый школьник знает что такое RGB-система измерения цвета, построенная на трех цветах — красный, зеленый, синий. А ведь это прорыв в теории цвета был, никакого традиционного цветового круга... Вы не знали? — Нет. — Так и Матисс не знал. Он просто взял из космоса информацию, без всякого Интернета, и подарил ее человечеству. Человечество впитало и усилило... В этом и смысл цепочки художник—картина—зритель. В этом — цель искусства. — А Ваши задачи и цели в искусстве, какие они? — Все те же, что и всегда: открывать бесконечность новых смыслов во всем, с чем мы ежедневно встречаемся, открывать новые грани красоты и дарить эти открытия другим, отдавать их миру. — А если «другие» не понимают дара, а мир отталкивает его? — Ну, тогда, как Ван Гог — вчера посмешище французских крестьян, сегодня — миллионы долларов на аукционах и подсолнечки на каждой авоське. Ответ всегда приходит — просто чуть раньше или чуть позже. Когда? Не знает никто. Но если уж я выбрала в свои четыре года живопись универсальным языком, так мне теперь и говорить на этом языке — до последнего дня. --- Маргарита Сюрина родилась в 1969 г. в Бангкоке, Таиланд. 1981 г. – начала занятия живописью в творческой мастерской народного художника Украины В.П. Цветковой. 1987 г. – окончила Московскую среднюю художественную школу при институте им. В.И. Сурикова. 1994 г. – окончила Московский государственный академический художественный институт им. В.И. Сурикова (мастерская народного художника СССР Таира Салахова). 1999 г. – член Творческого союза художников России. 2001 г. – член Международного художественного фонда. 2010 г. – член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Кавалер серебряного ордена «Служение искусству». Работы художника находятся в Доме-музее М.И. Цветаевой в Москве, в галереях и частных собраниях России, в муниципальных и частных коллекциях Франции, США, Швейцарии и Швеции. В апреле-мае 2012 г. в Доме Русского зарубежья имени А.И. Солженицына в Москве состоялась персональная выставка Маргариты Сюриной «Метаморфозы стиля». Это была третья выставка в рамках проекта «Почерк Леонардо», посвященного 560-летию великого художника Итальянского Возрождения. Премьерный показ проекта состоялся в декабре 2011 – январе 2012 г. в галерее АСТИ в Москве, второй раз графика М. Сюриной была представлена в Новом Манеже на ярмарке графических искусств ХУДГРАФ–2012. Первые два показа вызвали большой интерес у художников, искусствоведов и зрителей. Выставка в Доме Русского зарубежья была названа «Метаморфозы стиля» потому, что впервые в рамках проекта художник представила графические листы конца девяностых годов прошлого века, содержащие зеркальные тексты, как и вся графическая серия 2011– 2012 гг. Действительно, изменение стиля художника во времени – очевидно, с постоянным развитием той внутренней свободы мысли и движения руки, понимаемой как преодоление тварности и смерти. Проект «Почерк Леонардо» концентрирует наше внимание на двух ключевых темах: возвращение к нравственным идеалам эпохи Ренессанса и к особенностям восприятия мира леворукими людьми. Почти все графические работы содержат зеркальные тексты, написание и прочтение которых совершенно естественно для всех левшей и, как выяснилось на выставках, не только для них. Обращение к библейским темам неслучайно, так как эта символика содержит в себе спонтанность исповеди, которая является главной для художника на протяжении всего творческого пути. В серии «Над-под небом голубым» затронуто философское противопоставление: высокое и низкое, космос и хаос, разрушение – созидание. Маргарита сознательно уходит от стилистики Леонардо, создавая новую, оригинальную графику. Один из шести графических листов серии – автопортрет, названный «Дорогой в дивный сад», становится смысловым центром экспозиции, дорогой самосовершенствования и самостроительства. В июле 2012 г. в Доме-музее Марины Цветаевой в Москве прошла четвертая персональная выставка художника из проекта «Почерк Леонардо». Маргарита Сюрина назвала выставку – «Метаморфозы духа», в этот раз изначально концентрируя наше внимание на движении человеческой души. Идущему дорогой в дивный сад необходимы выдержка и мудрость, терпение и воля, способность сохранить свой уникальный почерк и приумножить свой талант. Пожелаем же этого художнику и каждому из нас. --- Идея художественного проекта «Портрет российской словесности» родилась в 2013 г. в Саратове, на берегу Волги, когда наша творческая группа уже открыла три выставки «ПАМЯТИ ВЕЛИКОГО ХУДОЖНИКА» в саратовских музеях; то был большой выставочный проект, посвященный столетию выдающегося отечественного скульптора, народного художника СССР Александра Павловича Кибальникова. И как только появилась у меня свободная минута – тотчас я отправилась на берег Волги с альбомом и тушью – делать зарисовки. Я сидела в камышах и рисовала, когда вдруг прямо на моих глазах из ровной гряды облаков над горизонтом стало формироваться и расти огромное облако. Облако ринулось вверх, величественно вздымаясь над всею летучей грядой, оно клубилось и меняло очертания, превратившись, наконец, в монументальный портрет. И я моментально подумала, что это облако похоже на Льва Николаевича Толстого… В 2013 г. для выставок в Саратове я нарисовала уже графические портреты Николая Чернышевского, Михаила Булгакова и Владимира Маяковского, меня все больше захватывала идея создания портретной галереи отечественных литераторов. И вот, при виде облака Льва Толстого, я окончательно решила, что буду работать в эту тему и показывать выставки, посвященные русской словесности. Оставалось только решить – выставляться персонально или же группой. Персонально – это, конечно, заманчиво – лавры, литавры… Но огромное число отечественных художников десятилетиями работают в теме русской литературы, в первую очередь в книжной графике, но и не только: известно множество работ в станковой живописи и графике, в скульптуре камерной и монументальной – от статуэток до городских памятников. И каждый художник имеет свои предпочтения и пристрастия, как и каждый читатель. Потому одни в восторге от поэзии Сергея Есенина, но терпеть не могут стихи Владимира Маяковского; а другие обожают Маяковского, но равнодушны к Есенину. Художник, посвятивший все свое творчество гению Федора Михайловича Достоевского, едва ли успеет (или захочет) уделить частицу времени гению Льва Николаевича Толстого. Но русская литература вмещает в себя одновременно этих двух гениев, великих современников, ни разу не встретившихся в своей земной жизни. Русская литература – всеобъемлюща. Она вмещает в себя все, ей внятно все, каждый сумеет найти в ней то, что особенно близко и дорого именно его сердцу, что созвучно именно его мировоззрению и согласно с его ходом мыслей. И потому непозволительно терять или же изымать из бесценной короны российской словесности ни одно звено: от поэзии Пушкина до поэзии Чичибабина, от сказов Бажова до сказок Чарской. Истинный, психологически точный и характерный портрет российской словесности – именно так, в единственном числе, – можно сложить только из множества ликов и лиц деятелей отечественной словесности. Как в живописи – тона холодные и теплые, цвета дополнительные и контрастные, от света к тени, от локальности к полутонам и рефлексам. И каждый мазок здесь имеет значение, и должен быть зрительный и композиционный центр, и должны быть некоторые пустоты в тенях; и тогда из разрозненных мазков складывается целостное впечатление, из крохотных кусочков смальты возникает мозаичное и многоцветное монументальное произведение… Тогда я решила, что выставки, посвященные русской литературе, непременно должны быть групповыми. И обратилась за поддержкой к художникам. Это очень важно – чтобы твою идею поддержали. Причем особое значение имеет, кто именно поддержит идею, – какого профессионального и личного качества люди и творцы. Я обратилась именно к тем художникам, с кем мы сотрудничали уже в течение двух лет, работая в выставочном проекте к юбилею Александра Кибальникова. К высоким профессионалам и признанным мастерам: Константину Худякову, Геннадию Животову, Татьяне Гореловой, Александру Рябичеву, Степану Мокроусову. Идею художественного проекта «Портрет российской словесности» поддержали замечательные, выдающиеся художники современности. 30 июля 2014 г. художественный проект «Портрет российской словесности» был впервые открыт в Доме-музее Марины Цветаевой в Москве, в течение осеннего сезона 2014 г. в наших экспозициях представили свои произведения сорок московских художников. Скульпторы и плакатисты, живописцы и графики, фотографы и мастера цифрового искусства. От широко известных и состоявшихся художников до студентов художественных институтов, от иконописцев до авангардистов – все вдохновляются образами отечественной словесности. На наших выставках непременно показывается творческое наследие выдающихся предшественников, в сезоне 2014–2015 гг. в экспозициях проекта «Портрет российской словесности» участвовали произведения народного художника СССР, скульптора Александра Кибальникова и живопись народного художника России Геннадия Севостьянова. В этом и заключается смысл проведения подобных выставок – никаких стилистических ограничений. Требований только два: профессионализм и любовь к русской словесности. И тогда в одном зале зритель может увидеть одновременно несколько портретов Лермонтова или же Маяковского, Ахматовой или Цветаевой, выполненных в разных техниках и представителями разных направлений и разных поколений художников. И тогда зритель, входящий в выставочный зал, моментально чувствует – здесь есть нечто очень большое и важное, нечто такое, что гораздо выше и важнее стильности и принадлежности авторов к определенной художественной, философской, даже политической школе. Но что же это – столь объединяющее всех нас, таких разных, противоречивых, суетных и даже мелочных порою? Вероятно, каждый интеллигентный человек, который вовсе не обязан (по Солженицыну) быть идиотом, ответит – мы все говорим на одном языке. Да что уж там говорим, мы все на этом языке мыслим и чувствуем. Поэтому каждый из нас по сей день едва ли станет обращаться к Господу Богу по-китайски и вряд ли скажет любимому человеку в момент глубокой близости «I love you» или «Je t’aime». Потому что это было бы пошло. В год русской литературы (2015) художественный проект «Портрет российской словесности» представил на суд зрителей тема- тическую выставку «ВОЙНА И МИР». С 30 июля по 31 августа экспозиция была представлена в Доме-музее Марины Цветаевой, в сентябре мы переехали на улицу Малая Дмитровка в выставочный зал «Колорит», а в октябре показали выставку в Творческой мастерской Рябичевых на Светлом Проезде. В экспозиции 2015 г. мы обратили наши взоры от истории к современности – от смутного времени XVII века в России до сегодняшнего дня. Посвящая выставки 2015 г. гению Льва Николаевича Толстого, наши авторы предложили вниманию зрителя не просто иллюстрации к литературным произведениям, но в большей степени философское и художественное осмысление понятий войны и мира в отечественной литературе и истории. Метафизика борьбы светлых и темных сил была представлена широко – от иконописных ликов до лермонтовского демона. И, конечно же, ни одна наша выставка не обходится без портретов выдающихся писателей и поэтов отечественной литературы прошлого и современности. Это основная, без всякого преувеличения – грандиозная тема, дающая бесконечные возможности как для работы над историческим портретом, так и для создания портретов наших современников, всех тех людей, кто и сегодня является опорой нашей отечественной духовности. Ежегодный художественный проект «Портрет российской словесности» представит в наступившем 2016 г. новые экспозиции, посвященные русской литературе. Мы откроем традиционно наш новый сезон 30 июля 2016 г. выставкой «Русская литература и Крым» в Доме-музее Марины Цветаевой в Москве. На выставке будут показаны работы, отражающие глубокую внутреннюю связь полуострова Крым и русской литературно-художественной среды, от известных всем и каждому параллелей: Пушкин и Гурзуф, Чехов и Ялта, Толстой и Гаспра, Волошин и Коктебель; до малоизвестных фактов истории и литературы, как, например, графический лист Маргариты Сюриной «Тайное появление Лермонтова в Крыму», посвященный литературной мистификации Вяземского. В этом году мы откажемся от выставок передвижных, с переездом экспозиции из одного выставочного зала в другой; но предложим зрителю несколько разных тематических выставок в осенний сезон 2016 г. Великая русская литература, лики и лица которой представлены на каждой выставке художественного проекта «Портрет российской словесности», всегда касается самой сути нашей отечественной духовности. И все без исключения художники проекта говорят со зрителем именно об этом. Ведь поэт в России – непременно больше, чем поэт. А художник, пусть и плененный временем, навсегда остается заложником вечности. Маргарита Сюрина, автор идеи проекта, художник